Texto práctica violencia de género.

La violencia de género continúa siendo uno de los principales problemas con los que una gran cantidad de mujeres tienen que combatir a diario. Por desgracia, el número de mujeres maltratadas sigue aumentando en nuestro país durante los últimos años, así como las denuncias de estas por violencia y ofensas de género. Si hablamos de datos, las estadísticas del observatorio contra la violencia doméstica de género son demoledoras. Estas, revelan el incremento de las denuncias diarias por parte de las víctimas en primera instancia, además de las denuncias producidas por partes de lesiones e intervención policial directa.

Por su parte, el entorno familiar de la víctima continúa retraído a la hora de denunciar el maltrato. Y es que cada vez, son más las mujeres que renuncian a continuar con el proceso judicial. Las órdenes de alejamiento, al igual que las sentencias penales, continúan superando a las denuncias condenatorias en este ámbito.

Dentro de la combinación de factores como la edad y el género, la tercera edad sigue siendo uno de los grupos de población con mayor riesgo de discriminación y maltrato. La ciudadanía al igual que las propias mujeres, ocultan con su silencio este problema de grandes dimensiones por miedo. De esta forma, entre los elementos que caracterizan a las víctimas de malos tratos destacan la de ser mujer, de mayor edad, con un alto grado de dependencia y deterioro, aislamiento social y falta de apoyo.

Entrevista al pintor Zoltan Gabor

Zoltan Gabor: “Saber pintar no significa que uno sea artista”

 

Zoltan Gabor en la UCM

Nacido en Budapest en 1963, Zoltan Gabor se define a sí mismo como pintor figurativo. Pese a que su educación artístico cultural comenzó en Budapest, pronto viajó a París para cursar sus estudios en la Universidad de la Sorbonne de bellas artes. A lo largo de su trayectoria como profesional, ha inaugurado desde principios de los años ochenta exposiciones por todo el mundo. En la actualidad, dirige la fundación “Apoyo al arte”, mientras que su creación aparece en numerosas reproducciones de obras gráficas, portadas de libros etc…Su creación artística abarca desde la pintura figurativa hasta retratos, impresionismo, por lo que lleva a sus espaldas una dilatada trayectoria en el arte. Durante la entrevista concedida a diferentes estudiantes de periodismo de la facultad de Ciencias de la Información, el pintor húngaro y residente en España, trató temas de lo más variopintos. Sus comienzos como artista, la fundación que actualmente dirige, o los diferentes pasos que lleva a cabo a la hora de pintar un cuadro, fueron los asuntos que desarrolló Zoltan con los estudiantes.

 

Zoltan: En primer lugar, es un placer estar aquí hoy con vosotros. Yo la verdad es que muy pocas veces imparto clases, pero si algunas veces he dirigido cursos de masters, entonces de esta manera he tenido relación con jóvenes artistas, o con jóvenes estudiantes que querían ser artistas. En realidad no tengo mucha experiencia de estar frente a una clase así como la vuestra. Por lo tanto vamos a hablarnos de tú a tú, y preguntarme cualquier cosa sobre el arte, sobre mi arte, o sobre el concepto del arte en Europa y en el mundo. Yo conozco después de más de doscientas exposiciones y después de recorrer de un lado a otro el mundo entero, bastante bien lo que ha pasado en los últimos treinta años, porque lógicamente yo también voy evolucionando con el arte. Viendo un poco las tendencias, considero que he mantenido siempre una línea personal bastante amplia que recoge diferentes series y diferentes técnicas. Empezando por gráfica, pasando por el óleo, hasta utilizar técnicas de relieve. A mí me gusta hablar siempre sobre el tema del arte, sobre el mensaje del arte. Lo que tú, con una serie que estas pintando quieres transmitir, quieres contar a tu público, al público en general. Entonces, considero que el artista, el creador, es verdadero cuando tiene mensaje. Porque al final, uno puede aprender a dibujar y pintar, o ha nacido así ya sabiendo aunque tengas que formarte un poco, pero es cierto que cualquier persona puede aprender en dos años, veinte años o dos meses.  Es la herramienta, la técnica, lo que necesitas para transmitir tus pensamientos, sin la herramienta no puedes hacer nada, y esa herramienta está en tu mano, es necesaria. Siempre digo que saber pintar no significa que uno sea artista. Cuando no tienes un mensaje, cuando no tienes algo que contar de alguna manera diferente a los demás, no eres nada. Yo siempre con todas mis series he estado buscando el mensaje. Estos mensajes para mi lógicamente vienen de las vivencias personales, pero también vienen por la cultura, algo que considero importantísimo en un artista, estar informado. Ser culto, leer mucho, escuchar música, estudiar mucho, hablar con la gente, viajar y estar abierto y después de esto, encontrar lo que quieres contar a la gente. Yo normalmente cuando estoy intentando preparar una serie, trabajo meses estudiando, pensando lo que quiero pintar y estudiando lo que quiero pintar. Fijaros, os digo escribiendo, no dibujando. No hago bocetos de lo que quiero pintar, sino que estoy escribiendo lo que quiero pintar. Aclarando mis ideas, aclarando lo que quiero y porque lo quiero, ya que esto también es importante. Un artista, un creador tiene que decir, ¿Por qué quiero pintar esta figura?, ¿Qué es lo que quiero contar a la gente?. Entonces, cuando ya tengo bien claro todo esto es cuando cojo los primeros lienzos y empiezo a pintar. Empiezo a ver si la idea funciona o no funciona.

Pregunta: Cuando tienes una idea de realizar una nueva obra, ¿Cuál es el primer paso que das, o la primera inspiración que tomas para realizar un nuevo cuadro?

Zoltan: Nunca pinto un cuadro solitario, normalmente pinto series. Y eso es lo que explicaba anteriormente. Antes de empezar una serie que a lo mejor va a ser de treinta, cuarenta o cincuenta obras, necesito meses de trabajo intelectual. Recojo ideas, recojo todo lo que quiero pintar, porqué quiero pintar esta serie, qué es lo que quiero contar con esta serie. Entonces, cuando ya se lo que quiero pintar y por qué, tengo que buscar la manera de pintar. En qué estilo voy a pintar, qué técnica quiero utilizar. Relieve, gráfica, óleo, acrílico…¿Qué tonalidades quiero utilizar con la serie?, ¿Qué tamaños?, ¿Qué formatos?. Ya tengo todo escrito en un papel, y entonces es cuando cojo el primer lienzo o los primeros lienzos y voy a ver con todos estos lienzos si estas ideas funcionan realmente en el lienzo o no. Entonces, los primeros lienzos son siempre como tanteos. Tanteando si esto funciona o no funciona, qué es lo que tengo que cambiar o que es lo que pensaba mal o hacer de una forma diferente. Como se trata de una serie de treinta, cuarenta o cincuenta obras lógicamente necesitas este tipo de preparación. Cuando ya veo después de dos, tres tanteos que eso es lo que quiero hacer, normalmente cojo los treinta lienzos y a partir de ahí pinto los treinta lienzos en el mismo tiempo. Empiezo un día de Enero con treinta lienzos, y ocho meses más tarde termino esos treinta lienzos.

 

P: Sobre su cuadro homenaje a Puskas, ¿Cómo surgió esta idea para realizar esta obra artística?

 

Z: Esta idea surge lógicamente porque yo soy de origen húngaro pese a que llevo treinta años fuera de Hungría, pero tengo relación con mi país por mis exposiciones individuales o por la fundación que tengo. Viajo casi todos los años a Hungría y lógicamente también represento la cultura húngara en todos los sitios en los que expongo, ya sea en Europa, en España, en Estados Unidos o en cualquier sitio. La embajada húngara y el gobierno húngaro normalmente cuenta conmigo porque yo soy un embajador cultural para la cultura húngara pese a que me siento muy español. He vivido más años en España que en Hungría, que es mi país natal, pero mi aprendizaje de la infancia me lleva hasta Hungría. Normalmente como tengo buenas relaciones con la diplomacia húngara y con la embajada, surgió el tema de la relación por parte del estado, el cuadro al Real Madrid y en homenaje a Puskas. Evidentemente, ¿en quién van a pensar para pintar este cuadro?, en mí, en el único pintor húngaro que vive aquí en España, así fue.

P: ¿Por qué tanto apego con la cultura popular española? Después de colecciones de su obra como “Ole y Ole”.

Z: Evidentemente viviendo treinta años en España, en algún momento tienes que hacer un homenaje a este país. Entonces hace veinte, veinticinco años cuando pensaba hacer un primer homenaje a España, no quería hacer algo tan trivial como los toros y el flamenco. Aunque yo soy muy aficionado de ambas cosas desde que yo vivo aquí, pero me resultaba muy trivial el homenajear a España con estos temas. En el año 1991, hice un homenaje a España, pero a través de la cultura y la pintura española, a través del Greco. Esto fue un homenaje al Greco porque pensaba que sería más idóneo por mi parte hacer un homenaje a España a través de la cultura con mayúsculas y no tradicional. Pero bueno, pasando los años, llega un momento en que dices, encima de que soy un gran aficionado a lo taurino y lo flamenco, pues tengo que pintar este tema también. Precisamente el año pasado que fue cuando cumplí aquí en España treinta años, dije, este va a ser el año en el que voy a homenajear a España con estos dos temas. La cultura más profunda y más importante,  más internacional que conoce todo el mundo, entonces voy a homenajear al Greco. En este caso, eran todos los cuadros tratados desde las obras del greco. Aquí podéis ver (señala la pantalla), la serie “Ole y Ole”, taurina y flamenca, en la que trato los flamencos y las figuras taurinas. Los toreros los trato cada uno desde una perspectiva concreta y para eso tienes que ser muy entendido o tienes que aprender y ver muchos toros. Yo personalmente voy mucho a los toros, pero aun así necesitas sacar fotos, para que el movimiento sea correcto, porque si no después pintas una cosa y te pueden decir, mira, este movimiento no existe. Igual pasa con las flamencas, los movimientos, los pasos de las flamencas tiene que ser muy concretos. Por ello, yo iba muy a menudo a academias de flamenco de amigos míos para ver y fotografiar un movimiento, un paso, para que todo ello sea concreto. Luego, ¿Cómo lo tratas?. Eso ya es otra cosa. Como ves, mis figuras son reales. El movimiento es real, aunque no es realista como está pintando. Yo siempre estoy buscando un lenguaje diferente tratando también con relieves. Recomponiendo el cuerpo humano y en este cuerpo humano puedes ver, el simbolismo, todo aquello que hay detrás. Después de esto uno ya puede pensar cual es el mensaje en esto. En el caso de los toros, evidentemente el ruedo, es decir, la plaza, entre el toro y el torero, entre la vida y la muerte, el sol, la luna, importantes simbolismos en el mundo taurino. En el mundo flamenco, destacamos el tablao, el movimiento circular del bailarín, el movimiento de la falda. Yo siempre digo, mis toreros están bailando y mis flamencas están toreando, así fue la serie “Ole y Ole”.

P: Usted es presidente de la fundación “apoyo el arte”, por lo que me gustaría saber, ¿Cuál es su visión del arte moderno ahora mismo en España?

Z: El arte moderno en España y en el mundo en general es bastante caótico en las últimas décadas. Ya no existen las escuelas o las tendencias como hace tiempo. El arte contemporáneo después del “pop art” acaba muy individualista. Cada uno hace lo que le da la gana, tanto en España como en el resto del mundo. Luego en el resto del mundo, en la última década se ha empezado con el arte conceptual, con temas de instalaciones, con el video arte, y todo esto está todavía más alejado del puro arte, de las manualidades. Se equivocaron muchos directores de museos y muchos galeristas con estas tendencias porque el público necesita un arte que no sea una instalación en una esquina, una bañera llena de sangre con un televisor encima. Esto no se considera arte, arte de verdad. Entonces ahora, los artistas van volviendo a hacer cosas algo más realistas. Más hacia el arte de verdad, creado encima de un lienzo y bien trabajado. No digo que esto tenga que ser figurativo ya que esto no es necesario, pero sí que haya algo detrás.

 

P: Entonces, según usted, ¿el arte debe ser más fácil de entender?

 

Z: Quien sabe si el arte debe ser fácil de entender. Yo cuando escucho el típico comentario cuando te dice alguien en una conversación: “yo no entiendo el arte”, entonces yo siempre contesto, ¿Quién entiende el arte?, ¿el artista?. No, el artista hace su propio arte. El crítico de arte tampoco, porque normalmente el crítico de arte es un pintor frustrado y vive de decir tonterías sobre un pintor. Es decir, vive de nosotros. El galerista tampoco ya que es un hombre de negocios, vive también del pintor. Huele y dice, este es un buen negocio, pues venga, cojo a este tío y lo exploto. Entonces, ¿quién entiende el arte?, el público. Cuando vas a una galería, cuando vas a un museo y dices, este cuadro me gusta. Este me lo llevaría a mi casa para poder disfrutarlo, pues eso para mí es entender el arte. A veces se dan también tomaduras de pelo por parte de los críticos. Sobre mí, han escrito más de cuatrocientas críticas y diferentes artículos en muchos medios. A veces ni lo leo, pero cuando lo leo digo, yo no sabía que soy esto. Los críticos y la gente que vive de esto inventan cosas y normalmente te sorprendes de lo que dicen.

P: ¿Cómo cree que trata el periodismo en general el arte?

Z: Bueno, existen los periódicos o revistas especialistas en arte, aunque también el periodismo generalista trata el arte. De alguna manera tú puedes ver en periódicos como El País o El Mundo, La Razón, si hablamos de periódicos nacionales que siempre tienen una sección de arte o de cultura. Dentro de la cultura dedican una página o media página al arte dependiendo de la figura de quien van a hablar. También en los dominicales suelen dedicar más páginas para algo importante, pero claro, son pocas. Comparado con el número de páginas dedicadas al fútbol desgraciadamente es poco, pero ocurre también en la televisión más o menos lo mismo. En general, excepto la 2, tú no ves programas de cultura, programas sobre arte, sobre arte visual o contemporáneo. Quizá solo cuando algún museo importante inaugura una exposición importante tienes veinte segundos que enseñan algún cuadro, al ministro y poco más. Lo más profundo no lo suelen tratar.

P: Más concretamente, su arte, ¿Cómo se ha tratado en los medios?

Z: Yo en general estoy contento. Se han hecho sobre mi cuatrocientas y pico críticas, entrevistas, cerca de treinta películas documentales, entrevistas en radio, entrevistas en televisión en muchos sitios. Yo no puedo quejarme sobre mi protagonismo en los medios. Puede ser todavía más, pero ya es bastante cuando tú dices, se trata de un artista no de un futbolista o una estrella de pop. Luego comparando con otros artistas yo siempre he sido muy mediático con mi arte y mis exposiciones.

 

P: ¿Cómo han influido internet y las redes sociales en  la difusión de su obra? ¿Su influencia ha sido para bien?

 

Z: Claro que las redes sociales influyen y mucho porque al final esto es un portal importante, que puede llegar a muchas más personas que en directo en una galería. Entonces, tener este escaparate es importante para mí algo muy importante como digo. Yo desde el año 90 tengo página web, cuando todavía pocos pintores tenían. Por aquel entonces un informático me dijo, vamos a hacer una página web y yo le dije, pero para que, cuando yo aún no tenía ni internet. Me dijo, tienes que tener porque es importante. Reconozco que las redes sociales y tu propia página web personal es importante porque es una salida para tener contacto con el mundo. Si después te refieres a vender obras de arte a través de páginas web, yo estoy en varias y en los últimos años solamente he vendido dos cuadros. La gente prefiere ir a una galería, a un museo o a tu estudio a ver, oler, morder la obra. Esto a través de un ordenador yo no creo que alguien vaya a vender muchas obras. Uno tiene posibilidades, pero como te digo, yo en veinte años he vendido dos cuadros.

 

P: ¿Las nuevas aplicaciones para teléfonos o tablets, pueden acercarnos a todos a ser artistas?

 

Z: ¿Por qué no? Yo siempre digo que expresar tus pensamientos es libre. Tú puedes hacer, crear algo distinto aunque eso no significa que vayas a exponer en el metropolitano. Pero, ¿por qué no vas a poder colgar tus cosas en la red?. Por ejemplo, tú escribes, tienes un blog, y escribes  y subes cualquier cosa. Pues esto es igual a través del teléfono.

P: Estamos hablando de su obra, y usted ha dicho que no le gusta que le encajonen. ¿Cómo definiría su obra?

Z: Me han dicho que soy expresionista lírico, pero yo siempre digo que soy figurativo. Uno ve cualquier serie mía, y a mí me interesa el ser humano, el movimiento del ser humano. Cuando yo estaba estudiando en la Sorbonne en Paris, conocí a un grandísimo bailarín, uno de los creadores del ballet moderno. Entonces yo estaba estudiando por aquel entonces como antes he dicho en Sorbonne, y me acerqué un día a la opera de París, donde estaban ensayando el movimiento del cuerpo. A mí me interesaba verlo para poder pintar, me interesaba el movimiento. Entonces el director me dijo cámbiate y ensaya con nosotros. Esa es la única forma de entender el movimiento, como se mueve el cuerpo, como se mueven los músculos. Entonces estuve durante un año bailando con ellos como bailarín. En resumen, a mí lo que me interesa es el cuerpo humano y las relaciones del ser humano entre ellos. Los diferentes movimientos y momentos. Felicidad, tristeza, amor, desamor y como nos acercamos hacía los demás y que respuestas tenemos. Naturalmente como soy hombre, me interesa también mucho el cuerpo femenino porque con ello estoy buscando la belleza. El arte tiene que ser un mensaje de belleza. El arte tiene que ser algo que te de una pausa, un descanso en la vida. Por ello, intento que mi arte sea un trampolín.

P: Entonces, ¿el arte y el compromiso social no deben ir juntos?

Z: Bueno, el compromiso social y el arte no creo tengan mucho que ver. Querer reflejar el compromiso social y tu pensamiento por ejemplo sobre la guerra o lo que sea, debes de hacerlo siempre buscando un mensaje, algo diferente.

 

P: Si quisiésemos comprar una obra suya, ¿Habría precios para todos los bolsillos?

Z: Yo tengo precios bastante considerados, pero no estamos hablando de millones. Podríamos decir que tengo obras para gente con precios asequibles.

P: ¿Qué piensa del mercado del arte?

Z: El mercado del arte es muy sucio. La gente piensa que el arte es muy bonito, pero no es así, es un mercado muy sucio, depende de muchas cosas. En realidad es todo un negocio, una explotación de pintores. Necesitas promoción en un primer momento ya que sin promoción nadie va a saber que existe tu obra. Sin promoción no vendes nada, no se sabe ni que existes.  Por ejemplo, la Gioconda es el cuadro más conocido del mundo. Todo por pura promoción.  Luego este mercado del arte, subastas, etc…es todo puro negocio.

P: ¿Hay forma de cubrirse de esto?

Z: sí pero todas las importantes galerías utilizan este tipo de estrategias y promociones. A estos niveles es imposible salir de ellos. Cuando entras en el mundo de las subastas o las grandes galerías tienes que adaptarte a las mafias, explotaciones, aunque también hay gente que se mueve fuera de ellas.

 

P: ¿Cómo son los comienzos de Zoltan en el mundo del arte?

 

Z: El tema es que un pintor nuevo cuando empieza, si no tiene la suerte de encontrar un galerista o un marchante bueno, en realidad está perdido. No tiene nada que hacer. Yo por ejemplo consigo mi primer galerista con veinte años en Francia en mi época de estudiante en la Sorbonne. En mi primer año de estudios allí, al final de curso teníamos que hacer una exposición cada uno con su arte. Por aquella época había conseguido exponer algo en alguna galería pequeña y en una de ellas se acercó un señor mayor y me propuso exponer una serie de dieciocho cuadros. En un primer momento yo le dije, bueno, tengo que mirar mi agenda no sé si puedo. En resumen, hay pintores que no consiguen una buena galería en cuarenta años y yo con veinte ya la tenía y encima para exponer en una gran galería en París.

 

P: ¿Tanto éxito tan joven no es un problema?

 

Z: Mira, a mí me dijeron con mi primer contrato, tú dedícate a pintar simplemente. Yo he tratado siempre bien este tema que citas. Para un artista esto son cosas que tienes. Yo nunca he pintado para cuanto va a valer este lienzo. Yo pinto porque quiero pintar y contar algo al público. Si se vende mi obra bien, pero nunca pienso en lo que va a valer.

 

P: ¿Podría hablarnos un poco de la fundación que usted dirige?

 

Z: Todo comienza cuando fui nombrado académico, algo que me sorprendió. Mi fundación abre campos a nivel internacional con muchos artistas jóvenes. La fundación crea proyectos y de esta forma, los artistas que participan reciben ayuda y pueden promocionarse. Yo ante todo busco ayudar a artistas jóvenes, promocionarlos. Aquellos que no han tenido los medios para promocionar su obra o la suerte de que haya alguien que apueste por ellos. Ahora bien, es un tema importante conocer qué y cómo ayudamos a los artistas. No les damos dinero, pero si les damos un empujón para que suene su nombre y de esta forma, tengan un apoyo con el objetivo de que crezcan un poco. Nuestra fundación se mueve por todo el mundo y está abierta a todo el mundo. En ella puede pintar un japonés, un húngaro o un español, ya que yo opino que para el arte no hay fronteras. El arte es individual. Un ruso tiene influencias diferentes a un manchego pero el creador es el ser humano. Quizá su forma de expresar es diferente. Su cultura es diferente, pero sus influencias y sus sentimientos son iguales. Ambos sienten, ríen, sufren, etc… Por eso quiero decir que el mensaje intelectual es el importante.

Entrevista al escultor Santiago de Santiago

Santiago de Santiago: “La sensación más complicada de plasmar en una obra puede ser un gesto”

Santiago de Santiago en la UCM

Nacido en Ávila e incansable creador, Santiago de Santiago es de esos artistas que cuya obra y monumentos pueden encontrarse en diferentes partes del mundo. Sus manos, han modelado los bustos de una gran cantidad de personalidades con trascendencia histórica. Su expresión plástica ha sido reconocida mediante innumerables premios, medallas y homenajes internacionales, además de varias publicaciones de su abundante obra. Durante su entrevista concedida a diferentes alumnos de periodismo de la Universidad Complutense de Madrid, el artista habló de su inspiración, su evolución como escultor y sobre el trato del arte que realizan los medios de comunicación actuales.

 

Pregunta: A la hora de realizar sus esculturas, ¿en qué se inspira?
 

Santiago de Santiago: Yo empiezo a hacer la escultura cuando la señora inspiración me ha conquistado y cuando ha situado en mí una sensibilidad. La sensibilidad me provoca lo que voy a hacer cuando hago la escultura. Quiero decirte, yo me inspiro en la vida, donde voy, donde vengo, las personas con las que hablo o no hablo y como las veo reaccionar. Me inspiro de una postura, de un gesto, y entonces ahí ya si he considerado que ese hecho que yo he considerado es interesante, no para mí, sino que puede ser interesante para divulgarlo y que la gente lo conozca y lo viva como yo lo trato, o como yo lo estoy viviendo, entonces hago ya la escultura que representa casi todo lo que yo he querido hacer. A veces lo consigo, a veces me paso y ahora diré porque. A veces me paso, hay esculturas que son muy simples aparentemente y me dicen “esta niña tiene aparentemente dieciocho, veinte años, está con las manos en los bolsillos, está muy triste. ¿Por qué está triste?”. ¿Por qué la han suspendido en los exámenes?, ¿Por qué se le ha ido el novio?, ¿Por qué se ha muerto su padre o su madre?, entonces el hecho es que esa figura, he conseguido que tenga un dolor amplio y muy sensitivo para transmitirlo, y entonces mi objetivo está cubierto. Si yo por ejemplo, en uno de los casos que he dicho, “me han suspendido en el examen”, a lo mejor ocurre que esa tristeza es amplia, es sensible al ser humano y entonces puede sugerir. El hecho es que he conseguido que su presencia conmueva al escritor.

P: En su primera época se veía un arte mucho más humano donde usted recalcaba más las expresiones, las formas, y en la última época en cambio, aparece una obra más conceptual, ¿Cómo ha sido esa evolución?

SS: Primero, en esa primera época comienzo una marcha, una ruta nueva, en la forma de expresar mis sentimientos. Después esas formas sensibles, de conmover a más gente pues se quedan muy ingenuas, y se trata de eliminar una cosa muy concreta de lo que de verdad representa esa figura. Además, esa primera época, no es primera época, son primeras sensaciones que se promueven en el ser humano, Como algo que se ve claro. Conforme vamos viviendo, vamos teniendo más sensaciones, más experiencias y más vivencias nuestras, y como he dicho antes, busco lo que veo en la gente, y esto lo digo de la forma que considero más propia de como yo lo vivo. Yo voy experimentando mi sensibilidad. Insisto, conforme se va viviendo más, se van eliminando cosas para que esa generalidad sea mucho más extensa. En el tratado de estudiar un concepto en una forma, se va evolucionando y se va haciendo una cosa más genérica. Sugiero que la belleza es así. Busco una belleza amplia. Después has hablado de los conceptos. Hasta ahora se ha experimentado con vivencias que tenemos alrededor nuestro. Este alrededor es corto, es decir, voy a dar la vuelta al mundo. He visto más gentes, he visto cómo viven los negros, como viven los amarillos, he visto rasgos de personas que yo considero distintas. A lo mejor me percato de que las vivencias de esa gente son análogas porque digo, esas personas se ríen como yo y cuando yo. Entonces veo esa risa, que a lo mejor en una raza que tiene los rasgos fisiológicos con los labios más grandes, o la boca más grande, pero el gesto, o la musculatura suya es análoga a la mía. Entonces, ya tengo un campo para representar en este caso la sonrisa de una persona que vive en Dinamarca, me produzca lo mismo que una que vive en China o en Japón. Por lo tanto estoy generalizando, ya he conocido como se puede representar esa sonrisa con gestos de distintas facciones. Me suelo fijar en lo que ha motivado ese gesto, que es el mismo gesto con la misma alegría en una persona de raza negra que en una persona del sur de España. Por lo tanto, he hecho un repaso por la humanidad, y he representado esa manifestación. En cuanto a sensaciones, no solamente están reducidas a un volumen sugerente, sino que son líneas. Si algunos han estudiado matemáticas, se darán cuenta de que esas líneas que aparecen en la matemática superior, pueden ser curvas, que vienen de no se sabe dónde y que generan un movimiento. Pues bien, ese movimiento, esa significación de ese juego, de esa curva está en el cielo. Todas las formas, ya sean dinámicas o no tienen vida, se mueven. Todo ello te lleva a estar pensando en lo que has visto, pero eso, para otra persona puede ser diferente. Es provoca que esas formas, que son más difíciles de conocer, cuesta más llegar a ellas, a esas curiosidades y ahí está un poco por encima el proceso de la creatividad. Ese es el camino normal del proceso.
 

P: ¿Cuál ha sido la sensación que más dificultad le ha supuesto plasmar en una obra?
 

SS: Posiblemente la sensación más complicada de plasmar en una obra, puede ser un gesto que yo veo en una cara, de alegría o de dolor. Entonces al ver eso, ¿cómo se yo lo que piensa esa persona?. Me tengo que meter  en el primer caso en la persona y buscar la esencia, ver como la persona ha llegado a ese sentimiento y después ya puedo yo revivirlo. Si no consigo revivirlo, tengo que buscar otra forma de ver cómo y por qué aquella niña está triste. Me he tenido que fijar en lo que veo en su cara, tengo que ver que refleja para poder después hacer la escultura. Uno de los temas que más me gustó a la hora de plasmar fue la comunión de la tierra con el hombre. Es decir, el ser humano con la tierra y a la inversa. Tardé cosa de dos o tres años en conseguir esa sensación y encontrar una persona con vivencias fuertes para que pudiese sentir eso que yo quería transmitir. Buscaba una naturaleza limpia y pura, y buscaba lo que una persona sentía al estar en comunicación directa con la tierra. Ver si uno siente o sufre, eso quería ver. Luego a la hora de plasmar una obra, existen dos partes. La primera el aprendizaje y posteriormente la experiencia.

P: ¿Considera adecuado el trato de los medios de comunicación hacia su arte?
 

SS: Medios de comunicación los hay jóvenes, menos jóvenes  y mayores. Los jóvenes están en su primera etapa, esas experimentaciones que he contado anteriormente. En cambio los mayores, probablemente ahí sí, puesto que o piensan lo que yo quiero hacer y estoy en el buen camino. Luego están los que son mucho mayores que yo, que son los que me van enseñando a mí a ir a más. Entonces, ahora ya soy mayor que muchos y entonces pienso que no tienen la consideración amplia de decir lo que yo hago. ¿Por qué?, porque esas personas no me han conocido o no han conseguido conocerme.

P: ¿Quiénes son los artistas que más le han influenciado en su carrera?

SS: Los artistas que más me han influenciado, han sido aquellos que ya habían realizado su obra. Es decir, la influencia humana de muchos artistas estaba ya en los museos. Entonces yo lo que intenté fue aprender de esas fuentes hasta que vi que ya tenía toda la influencia necesaria. En ese momento, cogí un martillo y me puse a hacer las tallas de lo que hoy en día existe.

P: De todas las obras que ha realizado a lo largo de su vida, ¿de cuál se siente más orgulloso?

SS: De todas mis obras para mí la más importante, es el monolito central del museo de Tortosa. Esta obra la considero muy completa, y más interesante que todas las obras que había hecho hasta entonces, porque después otras que han salido de las vivencias humanas también tienen su importancia, aunque esta es menor.

P: Usted ha esculpido a muchas personalidades, ¿El arte debe o no debe ser comprometido?
 

SS: El arte considero que debe ser comprometido evidentemente, pero en cambio no debe ser politizado.

P: ¿Con qué tipo de material se siente más cómodo a la hora de esculpir?
 

SS: Con la piedra ya que es el más puro, porque cualquier otro material que se use está transformado por el hombre. Por ejemplo el bronce, es un material elaborado por el hombre. Eso lo ha sacado de la naturaleza y lo ha transformado. Entonces el único material que yo he encontrado que no estuviese manufacturado por el hombre, es la piedra.

P: ¿Qué le diría usted a las nuevas generaciones de estudiantes de bellas artes para salir adelante?
 

SS: Yo empecé siendo autodidacta y esto parece ser que es una especie de ignorancia. Por vanidad o por algún otro tipo de circunstancia que flojea en mí ser, yo quise hacerlo todo solo. Entonces cuando ya llevaba un tiempo tratando de descubrir una herramienta que ya estaba inventada me di cuenta de que estaba perdiendo el tiempo siendo autodidacta.

P: ¿Considera que su arte está más valorado ahora que antes?
 

SS: Pienso que las artes tienen una valoración que se les da según lo que han sido de prácticas. Se miden por su valoración creativa. Un objeto se hace útil, dependiendo de la voluntad. Todos los objetos que se han hecho para las religiones, llevan al hombre al uso de lo que representan. Cuando está extendido lo suficiente, la religión ha madurado en la vivencia de los conceptos del hombre, esto pasa a ser objeto de la religión.

P: Si tuviese que quedarse con un movimiento artístico en concreto o con uno en la historia del arte que haya influido más en su obra, ¿con cuál se quedaría?
 

SS: Según mi formación y según he ido conociendo formas que haya hecho el hombre, manifestando sus vivencias, pienso que la que más me conmovió fue la civilización griega, que era producto de la belleza en todas sus formas. Esa es la que más me ha llegado a mí, además del románico que también tiene unas formas muy atractivas.

P: ¿Qué es el arte para usted?
 

SS: Para mí el arte es aquello que me ayuda a vivir y lo que hace que yo manifieste mi movimiento. El movimiento anatómico que antes he explicado. Eso para mí es lo que representa el arte.

La marea verde recorre el centro de Madrid

Foto: Kote Rodrigo (EFE)

La marea verde recorrió el nueve de Mayo el centro de Madrid desde la plaza de Neptuno a la sede del Ministerio de Educación, en Sevilla. Y al fin la Plataforma Estatal por la Enseñanza Pública ha respirado tranquila. Los sindicatos hablan de 120.000 manifestantes, mientras que Delegación del Gobierno no ha ofrecido datos. A toro pasado, reconocen que tenían ciertas “dudas” de la movilización. Se suceden las protestas y el profesorado ha perdido 20 puntos de poder adquisitivo y no es fácil que siga saliendo a la calle.

 

“Es que en esa ocasión hay más razones que nunca. Porque cada vez hay más recortes y ahora la Lomce”, cuenta una profesora de un instituto de Humanejos en Parla. “Hemos ido a la huelga el 60%, más que otras históricas. Nos jugamos mucho”. Ella imparte clase del área sociolingüística en el aula diversificada a niños que requieren una mayor atención. “¿Qué va a pasar ahora si estos niños aprueban el curso pero no pasan la reválida? Qué hacen, porque no pueden repetir curso”.

 

El año escolar empezó en la Comunidad de Madrid con 1.138.390 estudiantes (un 2,1% más), menos becas y unos 2.000 profesores menos, según los sindicatos. Las ayudas para los libros se han sustituido por un sistema de préstamos y las del comedor se han reducido de 29,3 millones a “entre 16 y 18 millones”, según estima la Consejería de Educación.

Por el centro de Madrid ha caminado Marga, profesora interina de Biología en un instituto de Móstoles. Hace ocho años aprobó la oposición y desde entonces encadena suplencias. La de este año, por primera vez, es de media jornada y su contrato termina en junio. Será otro compañero quien examine a sus estudiantes en septiembre. “Una forma de ahorrarse el pagarme el verano”.

 

A todas las marchas acude también una profesora de Tecnología que prefiere no decir su nombre. Le acompañan sus hijas y otros miembros del AMPA del colegio Miguel Servet (Carabanchel) que también van acompañados de sus familias. Las niñas, de unos cinco y siete años, conocen al dedillo los recortes. Hay una profesora menos de Inglés así que en Escuela infantil hay menos horas de inglés y no se pueden desdoblar los grupos para una atención más personalizada. Una suplente ha tardado en llegar mes y medio, a los profesores no les quedan horas de apoyo.

 

En medio de la marea verde pide paso un ciempiés humano del mismo color. Lo han confeccionado chicos de secundaria de un instituto de Móstoles y a falta de gente piden voluntarios para sumarse al gusano. Sin dudarlo se integran Ángela e Irene, estudiantes del instituto Madrid Sur, de Vallecas. Les da miedo “que se privatice todo, porque nosotras no podríamos pagarnos la educación y nos da miedo el futuro”. Piensan que el Gobierno de Madrid invierte más recursos en otras zonas de la Comunidad y en la concertada. “Nos quieren hacer de menos. Por eso los de clase hemos decidido no presentarnos al examen del CDI (prueba de conocimientos indispensables). Hay profesores que no nos han entendido”. La manifestación ha puesto cierre por el momento –habrá una marcha nocturna del sábado al domingo- a las movilizaciones. Por la mañana habían acudido a la huelga el 70% de los profesores, según los sindicatos. El Gobierno regional, sin embargo, la describió como “escasa”.

 

La plataforma Tomalauniversidad, una red de asambleas universitarias de Madrid, convocó a los estudiantes una hora antes en Atocha, con el fin de sumarse luego a la manifestación común. Sostienen que “si el presente es de lucha el futuro es nuestro” y su lema en esta convocatoria: “Su crisis nos desahucia las aulas”.

 

Fuente: ElPaís

Seminario ejército de tierra y medios de comunicación social

El seminario dedicado al ejército de tierra y medios de comunicación social organizado de forma conjunta por el departamento de comunicación del ejército y la facultad de Ciencias de la información, se apoderó del salón de actos de dicha facultad, durante la mañana del lunes 22 de Abril. Esta toma de contacto con el ejército de tierra, se ha tomado como una nueva opción para dar a conocer el mundo de las fuerzas armadas y su relación con los medios de comunicación, gracias al convenio que la facultad de ciencias de la información desarrolla de forma simultánea con el ejército de tierra.  Doña Carmen Pérez de Armiñán, decana de la facultad, acompañada de D. Luis Ruiz de Gordoa y Pérez Leceta, jefe del gabinete del JEME eran los encargados de dar el pistoletazo de salida a un seminario en el que se comenzaron resaltando algunos de los inconvenientes con los que debe lidiar el ejército en la actualidad. Temas como el déficit en cultura de defensa en la sociedad española, los estereotipos o la imagen que se tiene del ejército a causa de lo que se refleja en las grandes producciones cinematográficas, son algunos de los clichés perjudiciales para este colectivo.

 

 

“No se puede informar de lo que no se conoce”. Frase que sonaba en boca de Doña Carmen Pérez de Armiñán instantes antes de que D. Luis Ruiz de Gordoa manifestase que “no pido que se hable bien de las fuerzas armadas, pero sí que se haga con exactitud. Pedimos que se conozcan los elementos de juicio para poder redactar algo referente a nosotros con claridad”. Una claridad que fue palpable durante la primera ponencia de la mañana a cargo del comandante D. Alfonso Jáudenes Sánchez, analista del estado mayor del ejército. La evolución del ejército de tierra durante los últimos cuatrocientos años fue el principal protagonista. Destacando momentos puntuales y brillantes de este ejército como los conocidos tercios, grupo que domina los campos de batalla europeos durante más de cien años. El declive de estos se produce en la famosa batalla de Rocroi, lo que dará paso posteriormente a un ejército profesionalizado y reducido en la época de los borbones, con regimientos similares a los franceses.

La guerra de la independencia supondrá un salto importante para el ejército español. La aparición del cuerpo de estado mayor, así como varios conceptos de vital importancia como la nación de armas o la guerra total, harán que se produzca un cambio destacado a finales del cambio de siglo. Esta transformación del ejército será palpable a medida que se producen mejoras técnicas en las diferentes unidades de línea. El ejército expedicionario será junto al desembarco de Alhucemas en 1925 un hecho recalcable en la historia de las fuerzas armadas nacionales. Se produce una evolución evidente durante los años 1970 – 1980, época en la que el ejército español buscará asemejarse a los ejércitos occidentales, tomando como referencia a países como Gran Bretaña o Estados Unidos. En los años noventa, la sociedad española cuestiona el servicio militar, mientras que disminuye la cobertura de las unidades. Destacarán las denominadas “misiones de paz”.

Como conclusión, se puede destacar que según el propio ejército de tierra, este se encuentra en permanente evolución. En un futuro no muy lejano, el ejército tenderá hacia las brigadas polivalentes. De hecho, esto es lo que se busca en la actualidad. La polivalencia se enfrenta a la incertidumbre, lo que supondrá una evolución evidente. Las unidades deben de servir para todo, en la búsqueda de un ejército híbrido, que deja atrás al ejército especializado.

Por su parte, la segunda ponencia dedicada a “Los medios de comunicación y el ejército de tierra” fue conducida por Dr. Manuel de Ramón, profesor de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid. El propio de Ramón, charló sobre el choque de conceptos opuestos en cuanto a lo que debe de ser la información entre militares y periodistas. Evidentemente, cierto sector del ejército es reacio a relacionarse con periodistas por diferentes razones. En cambio, el periodista busca informar aunque se han dado casos de periodistas no especializados en defensa que lo único que han buscado es un titular sensacionalista. El denominado “filibusterismo”, es una actitud irresponsable que perjudica a las víctimas y a la propia profesión periodística.

Cabe destacar, que militares y profesionales del periodismo se nutren de fuentes informativas, es decir, el respeto entre ambos debe de ser mutuo. Si las fuentes se convirtiesen en medios, podría ocurrir que al público le llegase directamente la información sin acudir a los medios de comunicación convencionales. De ser así, estos perderían su tradicional función de intermediarios entre el público y las fuentes. Y de paso, su influencia y sus capacidades de analizar y buscar la verdad contrastada de datos.

En los últimos años, el ejército de tierra, ha sido el que más ha cuidado las relaciones con los medios de comunicación. Este tiene un gabinete de prensa muy trabajado, que cuenta con grandes profesionales con años de experiencia. Según el propio Manuel de Ramón, es importante que se mantengan las mismas personas en él, ya estas conocen mejor a los periodistas y se establecen relaciones de confianza mutua. Además, el sistema de comunicación en las fuerzas armadas está muy jerarquizado, lo que frena mucho la labor periodística. La situación del periodismo especializado en defensa es pobre. La especialidad se ha ido despoblando hasta quedarse prácticamente sin especialistas.

En cuanto al “Departamento de comunicación del ejército de tierra”, fue el tema principal de la tercera ponencia dirigida por el coronel Fco. Javier Marcos Izquierdo, analista del departamento de comunicación del ejército de tierra. El propio Marcos Izquierdo analizó la organización y función del DECET, para posteriormente dejar paso al teniente coronel Fernando Buesa, que ilustró a los asistentes con la “Información pública en operaciones militares”. Desde la comunicación en operaciones militares, pasando por el término del periodista empotrado, aquel que convive con las tropas en el día a día, sufriendo el conflicto en primera persona. Cabe destacar, que el empotramiento, acerca al periodista a una realidad inesperada, puesto que nunca se sabe que puede ocurrir en el campo de batalla.

Tras desglosar los diferentes temas, el comandante Alfonso Jáudenes cerraba la mañana explicando las diferentes misiones en el extranjero que lleva a cabo en la actualidad el ejército de tierra. La finalidad de las tropas repartidas en Afganistán, Líbano, Uganda, Mali y Bosnia, no es otra que el adiestramiento y asesoramiento de las tropas locales, así como llevar a cabo labores de ayuda humanitaria.

Para finalizar, José Antonio Guardiola, uno de los grandes periodistas y corresponsales de guerra que habido en nuestro país en los últimos años destacaba la relación entre militares y periodistas. Tema de especial importancia en la mesa redonda que tuvo tenía lugar antes de la clausura del seminario. “La relación entre militares y periodistas, es una relación cómplice. Ellos tienen el poder de que tienen la información que tú quieres dar. Ellos saben que tú vives de la información que das. Entonces si se genera una relación de mutua confianza suele funcionar. Si el militar sabe, que tú vas a contar lo que te están contando ellos, y lo vas a contar con lealtad a la realidad, al final te van a seguir pasando informaciones, pero para ello la mutua confianza importante. Básicamente el periodista sabe que lo que los militares les cuentan suele ser la verdad, aunque no necesariamente tiene que ser toda la verdad. Mientras que el papel del periodista consiste en rellenar esa verdad, con toda la verdad, o lo más cercano a la realidad. Básicamente ese es el trabajo del periodista en estas labores de guerra. Aunque además entra en juego también un tercer elemento que es el impuesto por el ministro de defensa. Ahí es donde las relaciones comienzan a tener cierto choque. Cuando el jefe de prensa del ministerio de defensa da una orden, eso ya suele debilitar las relaciones, se producen ciertas disfunciones en la comunicación de los periodistas”.